Stephen Shore/El Museo de Arte Moderno, Nueva York Stephen Shore: Desayuno, ruta Final Restaurante, Kanab, Utah, 10 de agosto de 1973La mayoría de los fotógrafos utilizar la cámara como una herramienta de la conmemoración. Que elija el que los momentos para rescatar el enorme montón de basura de la existencia cotidiana, haciendo referencia a algún tipo de jerarquía visual, una escala de lo escenas merecen ser inmortalizadas. Una "buena" fotografía sucede cuando la realidad se alinea de una manera que es más valiosa que la de otros arreglos (véase Cartier-Bresson "momento decisivo"), y un buen fotógrafo, por lo tanto, es alguien con una habilidad especial para reconocer que el valor y pulsar el disparador.
Que no es la forma de Stephen Shore utiliza una cámara, y su retrospectiva en el Museo de Arte Moderno hace que esta aparente. La exposición se proyecta una red de ancho, incluyendo la anómala períodos de la Orilla, cuando trabajaba en el extranjero, pero su enfoque principal es el de sus muchas fotografías de hyper-cotidiana, los estados unidos, nuestro stalest tonos de rojo, blanco y azul. Estas tranquila y sencilla imágenes de alimentos, edificios, coches, y los tocadores muestran que la Costa se entiende mejor como un fotógrafo interesado en fotografiar lo que está acordado para ser dignos de la captura.
Pero el verdadero sujeto de la Orilla del trabajo no se encuentra en el contenido de sus fotografías solo. De la Orilla, cuando los marcos de una muy Americano propagación del desayuno en un restaurante en Utah, podemos reflexionar sobre la escena, y lo que nuestro país en particular los estilos de consumo de decir acerca de nosotros, pero para centrarse completamente en la realidad representada sería perder lo que hace que este extraordinariamente ordinario fotografía profunda. Costa dispara la tabla de arriba, de los conocidos perspectiva de alguien que ha caminado lejos, tal vez para ir al baño, y volvió a encontrar su comida que se sirve. La platería es al azar colocado, el melón se encuentra askew, los bordes de la imagen parecen incluir y excluir los detalles al azar. La fotografía, una especie de muy intencional accidente, es un recordatorio de que cuando llega a la Orilla, no siempre se trata de lo que estamos viendo, pero ¿cómo lo estamos viendo.
Stephen Shore Stephen Shore en la serie "Círculo Nº 1," 1969; haz clic para agrandarCosta ha tenido una media de un siglo, la preocupación con la diferencia entre la forma de ver el mundo cuando nos movemos a través de él, y la forma en que lo vemos en las imágenes. Su esperanza, a menudo se ha dicho, es hacer fotografías que parecen "naturales". Para la Costa, esto significa la eliminación de la mediación, un rayo de su mano en la creación de una imagen. Escritor Lynne Tillman llamó la Orilla del intento de la "voluntad de la objetividad." El fotógrafo Joel Sternfeld describió como la Orilla del "Zen, despertó la inconsciencia". Orilla simplemente dice que quiere que sus fotografías para "ganas de ver."
Con esto en mente, las muchas fases de la Orilla de la carrera, que se desarrolla cronológicamente en el MoMA curador Quentin Bajac del diseño de expansión, empezar a buscar como distintas estrategias empleadas para lograr este efecto. En primer lugar, experimentó con blunter instrumentos de toma de imágenes con estrechos marcos de una reminiscencia de los diseñados por el artista Ed Ruscha. En 1969 la Orilla hecho "Círculo Nº 1", una serie compuesta de fotografías de un amigo tomado desde la perspectiva de los ocho puntos de la brújula. Para "Avenida de las Américas" (1970) le tomó una foto mirando hacia el norte, una en cada esquina de la Ciudad de Nueva York, la 6ª Avenida, entre la calle 42 y 59 calles. Estas fotografías—simple, repetitiva y a veces incluso mal expuestos, no puede ser muy interesante cuando se examina de forma individual, pero ese no es el punto. Sistemas como estos permiten la Orilla para quitar de sí mismo a partir de la ecuación, para hacer una imagen sin enteramente el dictado de su contenido.
Stephen Shore Un detalle de Stephen Shore "de la Avenida de las Américas, 1970; haga clic en para la serie completaA diferencia de la Costa, amigo y mentor, Andy Warhol, sin embargo, la Costa no quieren "ser una máquina". Quería conservar un cierto sentido de la autoría. Él quería llevar la conceptual espíritu de Warholiana pop a la tradición documental de Walker Evans, Robert Frank, y el otro gran fotográfica cronistas de la American condición. Así Orilla, finalmente, a la izquierda los sistemas detrás. En 1971, él experimentó con una cámara de juguete llamado Mick-a-Matic (una de Mickey Mouse en forma de dispositivo que se encuentra en exhibición en la exposición), en un intento de amateurize su trabajo, para eliminar los rastros de sofisticación. Fue alrededor de este tiempo que Costa hizo su controvertido cambiar de blanco y negro a la de color. (El célebre modernista fotógrafo Paul Strand dijo famosamente Costa de que esta fue una desastrosa carrera.) Hasta que punto, película en blanco y negro sirve como una estética marcador que diferencian el medio a partir de la forma en que vemos la realidad, es elevado a una fotografía de la banalidad a una obra de arte. Contemporáneos, como William Eggleston y Joel Sternfeld también fueron pioneros de color, pero su uso de ella, a menudo se agrega dinamismo a las imágenes. De la costa, por otro lado, el color usado para llevar la fotografía de vuelta hacia el realismo.
Stephen Shore/El Museo de Arte Moderno, Nueva York Stephen Shore: Graig Nettles, Fort Lauderdale, Florida, 1 De Marzo De 1978
Stephen Shore/El Museo de Arte Moderno, Nueva York Stephen Shore: Beverly Boulevard y La Avenida La Brea en Los Ángeles, California, 21 de junio de 1975
Stephen Shore/303 Gallery Stephen Shore: Amarillo, Texas, En Julio De 1972
Stephen Shore/303 Gallery Stephen Shore: 2nd Street, Ashland, Wisconsin, 9 de julio de 1973Tiene sentido, entonces, que la Costa ha sido dibujados a Instagram recientemente, y las fotografías que ha hecho, mientras que el uso de la aplicación se presentan en la exposición a través de iPads. Instagram es, después de todo, definitivamente diaristic. Es posible que no siempre se puede utilizar en el modo de que en estos días—al que se aspira en los filtros y la preservación parece dominar—, pero la premisa original llamado para que sin la mediación de las instantáneas de la vida cotidiana. La orilla parece a utilizar la plataforma de esta manera, la publicación de fotos de la naturaleza, de sus amigos y las mascotas, la creación de un gran visual repositorio de clases. Desplazamiento a través de su alimentación, es claro que su arte es a menudo una estratégica despojarla de astucia. En ese sentido, Instagram puede parecer más natural para sus fotografías de las paredes blancas de un prestigioso museo.
Se dice, entonces, que la Costa ha expresado sentimientos mezclados acerca de una de sus fotografías más famosas: estados UNIDOS 97, al Sur de Klamath Falls, Oregon (1973)—un cartel con una gama de la montaña pintada en el primer plano, la vida real una cordillera de montañas en el fondo. La imagen, inteligente, hermosa, y un poco triste, es una "buena" fotografía, lo más cercano a un "momento decisivo", como la Costa se presenta. Pero cuando él usa la mundana de la manera en que un escultor puede usar la arcilla, la manipulación de un material que no tiene aparentemente ninguna inherente carácter o valor, que la Orilla de la maestría es en pantalla completa. Las imágenes que podrían tener los visitantes del museo rascándose la cabeza, pensando, "yo podría hacer eso," revelan la Costa no sólo como uno de su generación de grandes fotógrafos, sino como una rara especie de vidente—el tipo que, con sus ojos, puede cambiar la manera en que usamos nuestro.
Stephen Shore: estados UNIDOS 97, al Sur de Klamath Falls, Oregon, 21 de julio de 1973"Stephen Shore" es en el Museo de Arte Moderno hasta el 28 de Mayo.
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